Artes escénicas


Universidad de Los Andes
Facultad de Humanidades
Escuela de Educación
Mención básica integral







Artes escénicas
Pantomima










                                                                                           Yohana Garcia
                                                                                          CI: 17437567
                                                                                        Prof: Betty Osorio


 Merida, junio de 2012






Índice

Introducción
·         COMPRENSIÓN:
Artes Escénicas
Características y orígenes de las artes escénicas
Los Artistas y las Artes Escénicas
Elementos de las Artes Escénicas
El ritmo en las artes escénicas
La  pantomima
Historia de la pantomima
·         INTERPRETACIÓN
·         APLICACIÓN
·         CONCLUSIÓN
·         REFERENCIAS  BIBLIOGRÁFICAS

                       

Introducción

El ar­te es una de las ma­ni­fes­ta­cio­nes más ele­va­das de la ac­ti­vi­dad hu­ma­na me­dian­te la cual se ex­pre­sa una visión per­so­nal y de­sin­te­re­sa­da que in­ter­pre­ta lo real o imaginada con re­cur­sos plás­ti­cos, lin­güís­ti­cos o so­no­ros.
 De allí que sea fundamental en la educación, ya que es generador del desarrollo de la expresión creativa natural que todo ser trae consigo, y estimula tanto las cualidades como los valores sociales, morales y la autoestima. Además, tiene la finalidad de introducir al educador y al educando en la ardua y fascinante tarea de la creatividad, la sensibilidad, la apreciación artística y la expresión, factores que contribuyen al espíritu creativo y social de todo individuo.
Según Read, Herbert, la fun­ción más im­por­tan­te de la edu­ca­ción con­cier­ne a la “Orien­ta­ción psi­co­ló­gi­ca, por lo que re­vis­te gran im­por­tan­cia en ese sen­ti­do la edu­ca­ción de la sen­si­bi­li­dad es­té­ti­ca, que abar­que to­dos los mo­dos de ex­pre­sión in­di­vi­dual, li­te­ra­ria, poé­ti­ca y mu­si­cal, que de­be­ría de­no­mi­nar­se edu­ca­ción es­té­ti­ca, ba­sa­da en la edu­ca­ción de los sen­ti­dos de for­ma ar­mó­ni­ca pa­ra cons­ti­tuir una per­so­na­li­dad in­te­gra­da”.
         Resulta opor­tu­no re­fle­xio­nar acer­ca de la ne­ce­si­dad de in­cor­po­rar las dis­tin­tas ex­pre­sio­nes ar­tís­ti­cas en for­ma ac­ti­va en la edu­ca­ción; pues el tea­tro, pen­sa­do co­mo pro­ce­so de apren­di­za­je y no co­mo un re­sul­ta­do, per­mi­te de­sa­rro­llar la crea­ti­vi­dad in­di­vi­dual y gru­pal, es­ti­mu­la la in­te­gra­ción en con­jun­to a tra­vés del jue­go dra­má­ti­co, de­sa­rro­llan­do el vín­cu­lo y la con­fian­za per­so­nal. Se tra­ta de un he­cho vi­vo que ge­ne­ra co­mu­ni­ca­ción.

         Es importante estudiar el arte; ya que motiva a la valoración de las obras de arte a través del lenguaje de las formas y del pensamiento visual, teniendo en cuenta que en la sociedad actual, altamente tecnificada, el ámbito de las artes plásticas tradicionales se ha visto enriquecido con la aportación de otras manifestaciones procedentes de los medios de comunicación visual, de modo que el universo de la imagen forma parte de nuestra realidad cotidiana.

         La inserción de estas áreas, como experiencias de vida y por tanto, como aspectos que logren cambios en valores, afectos y acciones es esencial para un desarrollo social y personal pleno de los seres humanos.         
 
      

Comprensión

Artes escénicas:
Constituyen el estudio y la práctica de toda forma de expresión capaz de inscribirse en el universo del Teatro, la Danza y la Música; así como el espectáculo y la Organización Espacial. . Es una forma de arte efímera y viva, que requiere de un público para completar la comunicación.
http://www.eluniversal.com.mx/img/2008/11/Cul/contempodanza.jpgEl edificio teatral o sala de espectáculos: Es un espacio arquitectónico construido especialmente para realizar en él cualquier tipo de espectáculo en vivo, ya sea teatro (drama), danza, música o similar.Se refiere a aquellas zonas que van a albergar los dos elementos esenciales para que el hecho teatral se produzca: los actores y el público. Cada uno de dichos elementos, necesita de su propio espacio, delimitado y privado, para desarrollar con la mayor comodidad posible la actividad para la que está destinado.
El artista es quien con sus movimientos, expresión corporal, su gracia, agilidad, destreza, técnica, habilidades, gestos, timbres de voz, pausas, diálogos, monólogos, cantos, silencios, miradas, quien expresará el sentimiento, el valor de la obra desde el punto de vista estético, para que el público reciba, vibre, se emocione, admire o no, su expresión artística.
El éxito luego de arduas jornadas de trabajo personal y en equipo, concentración, esfuerzo, sacrificios, ensayos de las artes escénicas, conocimiento técnico, superación diaria en relación a sí mismo, y una coordinación de los diversos aspectos para disponer y preparar la representación de la misma.
Se hace necesario un importante número de personas que trabajen en equipo y ciertas condiciones para alcanzar el mismo objetivo: poner la obra en escena; además de los artistas, productores, argumentistas, directores, técnicos, asistentes, directores artísticos, técnicos en iluminación, sonido, decoradores, maquilladores, técnicos de vestuario, músicos, y por supuesto una empresa productora que publicite las artes escénicas, exhiba y distribuya la obra, y el dinero necesario para financiar el proyecto.
ORÍGENES DE LAS ARTES ESCÉNICAS
http://t1.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcQ7AB3aZeyqVJtuOsPLkTrCJ5fiTRNwazZsmQsm8xKQbvKEMoLioWfFnQy1 Los orígenes de las artes escénicas se remontan a los ritos shamánicos de la prehistoria, donde se representaban los mitos a través de la danza y los juegos de roles. El teatro griego, la cuna de las artes escénicas clásicas, surgió en los Juegos Olímpicos y Panhelénicos. Se considera a Tespis, ganador de un certamen de las Dionisias de Atenas en el siglo VI a. C., el fundador del teatro. Con la tragedia griega, el teatro adquirió todo su poder espiritual, generando la “catarsis” o purificación de los valores.
Las artes escénicas tuvieron en la Edad Media una función estrictamente religiosa (dramas litúrgicos, autos sacramentales, obras moralizantes), adquiriendo una nueva dimensión durante el Renacimiento y el Barroco, donde se retoman temas clásicos y se plantean retratos sociales de la época. Los siglos siguientes trajeron nuevas manifestaciones escénicas hasta llegar a las vanguardias y las “performances” o “happenings”, que rompen con las reglas de escenificación convencional.

Los artistas y las Artes Escénicas:
Cuando todo se conjuga y el éxito acompaña a las artes escénicas, el reconocimiento del público hacia los artistas y hacia todo el equipo de trabajo, les llega a través de expresiones de asombro, admiración, y el aplauso que invade como un torrente el escenario; y allí, en ese espacio tan singular, en ese instante mágico todos se conmueven y se unen a través del arte escénico.
Es entrega por parte de los artistas y regocijo del público por lo que han recibido de ellos, por lo que han sentido en su interior, en su más íntima fibra, y que por eso, seguramente ya no serán los mismos, y guardarán en sus mejores memorias el haber estado presenciando tal o cual obra que alguna vez estuvo en escena. Y el artista seguirá, estará pronto para otro desafío, mientras haya luces encendidas, mientras alguien asista a la función, mientras haya aliento, no abandonará las artes escénicas, porque se ha convertido en su propia vida.

elementos de las artes escénicas:
El ritmo en las artes musicales y escénicas: La mayoría de las cosas producen una vibración que se transforma en sonido. El mundo está lleno de sonidos naturales y artificiales, ambos se combinan en todos los ambientes. Cada objeto tiene su propio timbre, es decir, un sonido que es propio de él.  El ritmo se puede expresar también mediante la utilización de instrumentos musicales. Especialmente los instrumentos de percusión y cuerda, estos producen sonidos más graves o fuertes cuando, al golpear o frotar, se hacen vibrar.

http://tbn3.google.com/images?q=tbn:-4gXQOOSRo9I1M:http://files.blog-city.com/files/J05/85988/p/f/candombe.jpgLos sonidos: Pueden producir efectos agradables o desagradables, lo cual depende de muchos factores, como la intensidad o fuerza con que se produzcan. El sonido musical generalmente produce sensaciones agradables. Muchas veces las personas producen sonidos utilizando diferentes partes del cuerpo como manos, pies, boca, entre otros, con el fin de acompañar una canción.

El sonido en el tiempo: El ritmo en la música es la organización de los sonidos en el tiempo. El sonido tiene dos elementos fundamentales que son el pulso y el acento, ambos están relacionados; el pulso se refiere a la regularidad con que se produce el movimiento, cada sílaba en una palabra posee un pulso.

El ritmo en las artes escénicas:

Del mismo modo que la música, las obras teatrales, bailes y danzas, tienen como elemento primordial el ritmo. Éste se manifiesta en los gestos, http://tbn1.google.com/images?q=tbn:x3rNT1hcxgqVYM:http://www.dipgra.es/imagenes/noticias/w-baile-de-salon.jpgdesplazamientos, diálogos, monólogos e incluso en el decorado. En las artes escénicas, el ritmo debe ir acorde con la representación, para que se pueda percibir la belleza en el conjunto.

Durante los ensayos, los actores realizan varios ejercicios para adecuar gestos, tono de voz y movimientos corporales, a los requerimientos de la obra.

LA PANTOMIMA
http://2.bp.blogspot.com/-Et4Xm7gfX7s/Tk2XeJ9eQPI/AAAAAAAAABI/IdeouAjqp5Q/s320/Pantomima%2Bfoto.jpgPantomimo (griego pantomimas "que todo imita") es la parte de las artes escénicas que utiliza la mímica como forma de expresión artística. Muchos mimos renuncian al uso del lenguaje hablado en sus actuaciones, rechazando con frecuencia el uso de cualquier tipo de sonido y objetos. La persona que se dedica a la pantomima como arte recibe el nombre del mimo.
Muchas veces la pantomima usa otras "herramientas" expresivas, como la danza, el teatro negro, teatro de objetos, máscaras o elementos clownescos. Por el otro lado también otras artes se sirven de técnicas y formas expresivas del mimo corporal
Existe un maquillaje habitual para los mimo, quienes suelen pintarse el rostro de blanco, también es frecuente que utilicen camisetas rayadas y sombreros y boinas.
Charle Chaplin (1889-1977), buster  keaton (1895-1966) y Marcel marceau (1923-2007) son algunos de los artistas que, a lo largo de sus carreras han demostrado su talento para la pantomima.
HISTORIA DE LA PANTOMIMA
http://t3.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcRBpRfWYD3bLm8mP0QAFG_liERw41ibwuVAn03fWyPUhe1bgJCbfMuHLh8sDgEl origen de la pantomima se encuentra en las dionisíacas, donde el lenguaje corporal era el instrumento de representación por excelencia, En Grecia, el mimo era una farsa nacida de la comedia, en la que los actores, acompañados de danzas y música, parodiaban escenas de la vida cotidiana o de argumentos basados generalmente en temas mitológicos. Las primeras formas preliterarias conocidas se remontan al siglo v a.C. en los fragmentos que se conservan del comediógrafo Epicarmo. Otros escritores griegos, como Sofrón de Siracusa (hacia el año 430), Herondas y Teócrito (siglo III), e incluso Sócrates y Platón en sus diálogos, concedieron al mimo categoría literaria equiparable a la de otros géneros.

En la península itálica, el mimo nació de las farsas callejeras, las danzas más o menos lascivas, las bufonadas y los cuadros realistas de un teatro popular, cuyos orígenes son imposibles de precisar. Décimo Laberio y Publilio Siró (siglo I a.C.) fueron los principales cultivadores del mimo en Roma, que se caracterizó por la mordacidad y tono licencioso de sus temas y por la creación de tipos representativos de personajes populares y grotescos (Buceo el estupido, Dosseno el jorobado, Maceo el senil) que, posteriormente, autores como Plauto y Terencio recogerían en sus comedias.
A fines del siglo I a.C, los espectáculos de danzas mímicas fueron eclipsados en Roma por la aparición de la pantomima, que ya desde sus inicios adquirió gran auge con actores como Pílades y Batilo de Alejandría, y se convirtió en una parte esencial de las representaciones teatrales. A diferencia del mimo, la pantomima (etimológicamente, imitación de todo) representaba, sólo con gestos, toda acción, tanto trágica como cómica. Acompañado de un coro que recitaba o cantaba el texto y de una orquesta, el pantomimo, vestido con una larga túnica y cubierto el rostro por una máscara, interpretaba las piezas trágicas o cómicas mediante gestos y el movimiento de sus manos.



En Francia, las barreras lingüísticas impuestas a los actores italianos privaron de la palabra y dieron nuevas características a los personajes de la comedia del arte: Arlequín o Picrrot alcanzaron enorme popularidad en las pantomimas clásicas francesas del siglo XIX, que cuentan entre sus mimos más célebres a los hermanos Jean-Gaspard y Jean-Charles Debureau y a Paul Legrand. Iniciado el siglo XX, Louis Rouffe, Severin Cafferra y Georges Wague dieron un nuevo impulso, con sus creaciones del Pierrot, a la pantomima clásica que, ahogada en sus propias limitaciones, no tardaría en desaparecer ante el redescubrimiento del movimiento y del cuerpo humano y la revalorización de una nueva mímica, la definida ahora como el arte de expresar sentimientos y no un medio de expresar palabras a través de gestos.


Interpretación
El hombre necesita comunicarse y relacionarse con los demás; de allí que su capacidad para desarrollar diversidad de representaciones simbólicas a través de los lenguajes es lo que lo hace único.

Por tal motivo, las artes constituyen mucho más que actividades "extra" para divertir a los niños(as). El mundo y las mentes de los niños se amplían mediante la participación en las artes, que les ofrece las destrezas que precisan para un futuro brillante, ya que juegan un papel fundamental, pues:
·         Las artes enseñan a los niños a ser más tolerantes y abiertos.
·         Las artes permiten que los niños se expresen en forma creativa.
·         Las artes promueven el trabajo individual y colectivo, aumentan la confianza en sí mismos.
Cabe destacar, que el acercamiento global del niño al teatro, se puede hacer a través de distintos medios: Visitas a teatros, en los que se exhiben escenificaciones de obras literarias, comedias musicales, mimos, teatro negro, composiciones para títeres, o las mismas puestas en escena en el ámbito escolar.
El Teatro es como un género, un inter-juego de lenguajes expresivo-creativos: Juego corporal, lenguaje oral, música y sonido, escena, lenguaje visual y plástico a partir de un texto literario. Dicho mecanismo constituye una actividad humana, es un juego creativo y de imaginación.

En el Juego Dramático como se le llama hoy día, se conjuga ficción y realidad; pues implica la superposición de personajes, hechos y lugares simbólicos. Ahí se permite entrar y salir del mundo real al mundo imaginario. Asimismo, se le otorga al niño y a la niña el permiso para liberarse, salir de sí mismo, dar rienda suelta a su imaginación creadora. La ficción le ofrece a ambos una vía eficaz para dar una explicación lógica a sus propias fantasías.

El Juego Dramático en la escuela, es un medio de transmisión de la cultura, que sustenta un bagaje cultural por medio de una activa metodología. En una enseñanza humanista, dentro de una pedagogía de la libre expresión, el juego dramático y la complejidad de los aspectos que los conforman, encierran el privilegio de participar en él la magia de una experiencia individual y colectiva en forma simultánea y establece a su vez, una maravillosa alianza con la literatura, la poesía, la música, la danza, la plástica, entre otros aspectos…

La educación en las artes, ejerce gran repercusión en los años de desarrollo de todos los niños y ha demostrado servir para nivelar el "campo de aprendizaje". Por eso, si no recibimos los estímulos, las herramientas que ayuden a despertar nuestra capacidad creadora, a forjar nuestra identidad personal y nacional; difícilmente se podrá pedir que como individuos seamos entes activos y conscientes de lo que nos sucede, y por ende forjadores de nuestra realidad social.
         Es de vital importancia cultivar la capacidad del arte; capacidad que hace reconocer al hombre su rol creador, independiente del oficio que ejerza, el arte nos hace ver cuando la vivimos, que todos somos artistas, que todos construimos nuestra realidad, que nuestro aporte suma junto al resto y crea un total; y al tener esto claro nos sentimos protagonistas ya no sólo de nuestra existencia; sino de la historia, que es la acción de los hombres en el tiempo y el espacio.

         Cabe resaltar que a partir de la expresión gestual y corporal, el niño y la niña expresarán con sus palabras la situación vivida al traducir lo que han hecho. De ahí la necesidad de proponer nuevas acciones que faciliten a las niñas(os) la apropiación de conocimientos y la realización de experiencias en forma amena y dinámica, pero a la vez reflexiva y cooperativa. Cuando se imparte en el aula, se comienza a trabajar con la creatividad, la expresión y el desarrollo de la apreciación estética; elementos que logran componer la personalidad del alumno(a).

Como futuros educadores necesitamos tener presente que existen variadas e interesantes experiencias pedagógicas, encaminadas a la estimulación y desarrollo de la creatividad, pues un maestro para definirse como creador y amante del arte, debe exhibir en su actuación rasgos muy  concretos que lo consolidan como creativo. También debe considerar los  elementos como la libertad de expresión, la ausencia de inhibiciones, evitar juicios críticos valorativos, estimular nuevas ideas durante el proceso creativo.

        
  
Aplicación

Rectángulo redondeado: ¡Hola amiguito nos trasladaremos al mundo fantástico de las artes escénica ..! Te invito a completar el texto , luego relaciona las imágenes con  la palabra  que corresponda


 




http://xn--dondecoovamoshoy-dub.com/wp-content/uploads/2010/11/Olivarte.jpghttp://www.eluniversal.com.mx/img/2008/11/Cul/contempodanza.jpg
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Rectángulo redondeado: TEATRO
Rectángulo redondeado: PANTOMIMA
Rectángulo redondeado: DANZA
Rectángulo redondeado: GUITARRA








http://www.centrosdeformacion.org/wp-content/uploads/2011/04/Artes-Esc%C3%A9nicas1.jpg

http://images01.olx.com.ec/ui/6/01/70/1275484571_97350170_1-Fotos-de--VACACIONALES-EN-EL-CENTRO-DE-ARTES-ESCENICAS-1275484571.jpg


Rectángulo redondeado: MÚSICA



http://www.rena.edu.ve/SegundaEtapa/ESTETICA/IMAGENES/formasart7.gif
Rectángulo redondeado: Las  artes escénicas Constituyen el estudio y la práctica de toda forma de expresión capaz de inscribirse en el universo del Teatro, la Danza y la Música; así como el espectáculo y la Organización Espacial. 







Conclusión
El ser humano, fue creando distintas formas de expresarse a lo largo de la historia, la cual se va modificando acorde a su evolución intelectual, social y cultural. Al ir desarrollando su lenguaje el hombre está contribuyendo a su desarrollo intelectual, creativo y sensitivo.
         De allí que, el arte sea de gran relevancia en el proceso educativo, pues el arte es representación y promueve el desarrollo de la creatividad que todo ser humano tiene en potencia, estimula valores sociales, desarrolla todas las operaciones básicas del pensamiento y contribuye a la construcción de una autoestima positiva.

El arte, la creatividad y la imaginación desempeñan un papel vital en la educación de los niños. El dibujo, la pintura, el material reciclado o el modelado constituyen un proceso complejo, en el cual el niño reúne diversos elementos de su experiencia para formar un conjunto con un nuevo significado. En este proceso de seleccionar, interpretar y reformar estos elementos, el niño proporciona una parte de sí mismo: Cómo piensa, como siente y como se ve. Para el arte es una actividad dinámica y unificadora.

         Por su parte, las Artes Escénicas se conciben como un instrumento fundamental en la formación integral, a pesar de encontrarse dentro de los contenidos del área de Educación Estética no sólo se ocupa del estudio de las diferentes manifestaciones de la teatralidad, sino que, también, permite que el alumno desarrolle competencias comunicativas, sociales, expresivas, creativas o las relacionadas con la resolución de problemas y la autonomía personal, estimulando su interacción con el medio que lo rodea y garantizando, por tanto, el logro de fines formativos y propedéuticos que le serán útiles para su vida diaria.

Ofrecerle al niño la oportunidad de crear constantemente, por medio de su imaginación y con sus conocimientos actuales es la mejor preparación para su futura capacidad creadora. Por lo tanto el desarrollo mental depende de una variada relación entre el niño y su ambiente; esta relación es un ingrediente básico para llevar a cabo una experiencia de creación artística. El desarrollo de la sensibilidad perceptiva debería convertirse en una de las partes más importantes del proceso creativo.





Arrau, S. (1994). “Documentos de Dirección Teatral”. Colección Estudios/ Nº 2. CELCIT. Caracas – Venezuela. Pág. 13 a 18, 225 a 232. 

Brittan y Lowenfeld (1975) Desarrollo de la capacidad Creadora. Kapelusz. Buenos Aires.
CONSULTA PÁGINAS WEB:




http: //www.thecrazybug.com/artesescenicas/elteatro.htm - 19k -


e-historia.es/historia/sin-palabras-historia-de-la-pantomima


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