Universidad de Los Andes
Facultad de Humanidades
Escuela de Educación
Mención básica integral
Yohana Garcia
CI: 17437567
Prof: Betty Osorio
Merida, junio de
2012
Índice
Introducción
·
COMPRENSIÓN:
Artes Escénicas
Características y orígenes de las artes
escénicas
Los Artistas y las Artes Escénicas
Elementos de las Artes Escénicas
El ritmo en las artes escénicas
La
pantomima
Historia de la pantomima
·
INTERPRETACIÓN
·
APLICACIÓN
·
CONCLUSIÓN
·
REFERENCIAS
BIBLIOGRÁFICAS
Introducción
El arte es una de
las manifestaciones más elevadas de la actividad humana mediante
la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta
lo real o imaginada con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.
De allí que sea fundamental en la educación, ya que es
generador del desarrollo de la expresión creativa natural que todo ser trae
consigo, y estimula tanto las cualidades como los valores sociales, morales y
la autoestima. Además, tiene la finalidad de introducir al educador y al
educando en la ardua y fascinante tarea de la creatividad, la sensibilidad, la
apreciación artística y la expresión, factores que contribuyen al espíritu
creativo y social de todo individuo.
Según
Read, Herbert, la función más importante de la educación concierne a la
“Orientación psicológica, por lo que reviste gran importancia en ese
sentido la educación de la sensibilidad estética, que abarque todos
los modos de expresión individual, literaria, poética y musical,
que debería denominarse educación estética, basada en la educación
de los sentidos de forma armónica para constituir una personalidad
integrada”.
Resulta oportuno reflexionar acerca
de la necesidad de incorporar las distintas expresiones artísticas
en forma activa en la educación; pues el teatro, pensado como proceso
de aprendizaje y no como un resultado, permite desarrollar la creatividad
individual y grupal, estimula la integración en conjunto a través
del juego dramático, desarrollando el vínculo y la confianza personal.
Se trata de un hecho vivo que genera comunicación.
Es importante estudiar el arte; ya que motiva
a la valoración de las obras de arte a través del lenguaje de las formas y del
pensamiento visual, teniendo en cuenta que en la sociedad actual, altamente
tecnificada, el ámbito de las artes plásticas tradicionales se ha visto
enriquecido con la aportación de otras manifestaciones procedentes de los
medios de comunicación visual, de modo que el universo de la imagen forma parte
de nuestra realidad cotidiana.
La
inserción de estas áreas, como experiencias de vida y por tanto, como aspectos
que logren cambios en valores, afectos y acciones es esencial para un
desarrollo social y personal pleno de los seres humanos.
Comprensión
Artes escénicas:
Constituyen el estudio
y la práctica de toda forma de expresión capaz de inscribirse en el universo
del Teatro, la Danza y la Música; así como el espectáculo y la Organización
Espacial. . Es una forma de arte efímera y viva, que requiere de un público
para completar la comunicación.
El edificio teatral o sala de espectáculos: Es un espacio
arquitectónico construido especialmente para realizar en él cualquier tipo de
espectáculo en vivo, ya sea teatro (drama), danza, música o similar.Se refiere
a aquellas zonas que van a albergar los dos elementos esenciales para que el
hecho teatral se produzca: los actores y el público. Cada uno de dichos
elementos, necesita de su propio espacio, delimitado y privado, para
desarrollar con la mayor comodidad posible la actividad para la que está
destinado.
El
artista es quien con sus movimientos, expresión corporal, su gracia, agilidad,
destreza, técnica, habilidades, gestos, timbres de voz, pausas, diálogos,
monólogos, cantos, silencios, miradas, quien expresará el sentimiento, el valor
de la obra desde el punto de vista estético, para que el público reciba, vibre,
se emocione, admire o no, su expresión artística.
El éxito luego de
arduas jornadas de trabajo personal y en equipo, concentración, esfuerzo,
sacrificios, ensayos de las artes escénicas, conocimiento técnico, superación
diaria en relación a sí mismo, y una coordinación de los diversos aspectos para
disponer y preparar la representación de la misma.
Se
hace necesario un importante número de personas que trabajen en equipo y ciertas
condiciones para alcanzar el mismo objetivo: poner la obra en escena; además de
los artistas, productores, argumentistas, directores, técnicos, asistentes,
directores artísticos, técnicos en iluminación, sonido, decoradores,
maquilladores, técnicos de vestuario, músicos, y por supuesto una empresa
productora que publicite las artes escénicas, exhiba y distribuya la obra, y el
dinero necesario para financiar el proyecto.
ORÍGENES DE LAS
ARTES ESCÉNICAS
Los orígenes de las artes escénicas se
remontan a los ritos shamánicos de la prehistoria, donde se representaban los
mitos a través de la danza y los juegos de roles. El teatro griego, la cuna de
las artes escénicas clásicas, surgió en los Juegos Olímpicos y Panhelénicos. Se
considera a Tespis, ganador de un certamen de las Dionisias de Atenas en el
siglo VI a. C., el fundador del teatro. Con la tragedia griega, el teatro
adquirió todo su poder espiritual, generando la “catarsis” o purificación de
los valores.
Las artes
escénicas tuvieron en la Edad Media una función estrictamente religiosa (dramas
litúrgicos, autos sacramentales, obras moralizantes), adquiriendo una nueva
dimensión durante el Renacimiento y el Barroco, donde se retoman temas clásicos
y se plantean retratos sociales de la época. Los siglos siguientes trajeron
nuevas manifestaciones escénicas hasta llegar a las vanguardias y las
“performances” o “happenings”, que rompen con las reglas de escenificación
convencional.
Los artistas y las Artes
Escénicas:
Cuando
todo se conjuga y el éxito acompaña a las artes escénicas, el reconocimiento
del público hacia los artistas y hacia todo el equipo de trabajo, les llega a
través de expresiones de asombro, admiración, y el aplauso que invade como un
torrente el escenario; y allí, en ese espacio tan singular, en ese instante
mágico todos se conmueven y se unen a través del arte escénico.
Es
entrega por parte de los artistas y regocijo del público por lo que han
recibido de ellos, por lo que han sentido en su interior, en su más íntima
fibra, y que por eso, seguramente ya no serán los mismos, y guardarán en sus
mejores memorias el haber estado presenciando tal o cual obra que alguna vez
estuvo en escena. Y el artista seguirá, estará pronto para otro desafío,
mientras haya luces encendidas, mientras alguien asista a la función, mientras
haya aliento, no abandonará las artes escénicas, porque se ha convertido en su
propia vida.
elementos de las
artes escénicas:
El ritmo en las
artes musicales y escénicas: La mayoría de las
cosas producen una vibración que se transforma en sonido. El mundo está lleno
de sonidos naturales y artificiales, ambos se combinan en todos los ambientes.
Cada objeto tiene su propio timbre, es decir, un sonido que es propio de él. El ritmo se puede expresar también mediante
la utilización de instrumentos musicales. Especialmente los instrumentos de
percusión y cuerda, estos producen sonidos más graves o fuertes cuando, al
golpear o frotar, se hacen vibrar.
Los sonidos: Pueden producir
efectos agradables o desagradables, lo cual depende de muchos factores, como la
intensidad o fuerza con que se produzcan. El sonido musical generalmente
produce sensaciones agradables. Muchas veces las personas producen sonidos
utilizando diferentes partes del cuerpo como manos, pies, boca, entre otros,
con el fin de acompañar una canción.
El sonido en el
tiempo: El ritmo en la música es la
organización de los sonidos en el tiempo. El sonido tiene dos elementos
fundamentales que son el pulso y el acento, ambos están relacionados; el pulso
se refiere a la regularidad con que se produce el movimiento, cada sílaba en
una palabra posee un pulso.
El ritmo en las artes escénicas:
Del mismo modo que la música, las obras teatrales, bailes
y danzas, tienen como elemento primordial el ritmo. Éste se manifiesta en los
gestos, 
desplazamientos,
diálogos, monólogos e incluso en el decorado. En las artes escénicas, el ritmo
debe ir acorde con la representación, para que se pueda percibir la belleza en
el conjunto.
desplazamientos,
diálogos, monólogos e incluso en el decorado. En las artes escénicas, el ritmo
debe ir acorde con la representación, para que se pueda percibir la belleza en
el conjunto.
Durante los ensayos, los actores realizan varios
ejercicios para adecuar gestos, tono de voz y movimientos corporales, a los
requerimientos de la obra.
LA PANTOMIMA
Pantomimo (griego pantomimas
"que todo imita") es la parte de las artes escénicas que utiliza
la mímica como forma de expresión artística. Muchos mimos renuncian al uso del
lenguaje hablado en sus actuaciones, rechazando con frecuencia el uso de
cualquier tipo de sonido y objetos. La persona que se dedica a la pantomima como arte recibe el nombre del mimo.
Muchas veces la
pantomima usa otras "herramientas" expresivas, como la danza, el
teatro negro, teatro de objetos, máscaras o elementos clownescos. Por el otro
lado también otras artes se sirven de técnicas y formas expresivas del mimo
corporal
Existe un
maquillaje habitual para los mimo, quienes suelen pintarse el rostro de blanco,
también es frecuente que utilicen camisetas rayadas y sombreros y boinas.
Charle Chaplin
(1889-1977), buster keaton (1895-1966) y
Marcel marceau (1923-2007) son algunos de los artistas que, a lo largo de sus
carreras han demostrado su talento para la pantomima.
HISTORIA DE LA
PANTOMIMA
El origen de la pantomima
se encuentra en las dionisíacas, donde el lenguaje corporal era el instrumento
de representación por excelencia, En Grecia, el mimo era una farsa nacida de la
comedia, en la que los actores, acompañados de danzas y música, parodiaban
escenas de la vida cotidiana o de argumentos basados generalmente en temas
mitológicos. Las primeras formas preliterarias conocidas se remontan al siglo v
a.C. en los fragmentos que se conservan del comediógrafo Epicarmo. Otros
escritores griegos, como Sofrón de Siracusa (hacia el año 430), Herondas y
Teócrito (siglo III), e incluso Sócrates y Platón en sus diálogos, concedieron
al mimo categoría literaria equiparable a la de otros géneros. En la península itálica, el mimo nació de las farsas callejeras, las danzas más o menos lascivas, las bufonadas y los cuadros realistas de un teatro popular, cuyos orígenes son imposibles de precisar. Décimo Laberio y Publilio Siró (siglo I a.C.) fueron los principales cultivadores del mimo en Roma, que se caracterizó por la mordacidad y tono licencioso de sus temas y por la creación de tipos representativos de personajes populares y grotescos (Buceo el estupido, Dosseno el jorobado, Maceo el senil) que, posteriormente, autores como Plauto y Terencio recogerían en sus comedias.
A fines del siglo I a.C, los espectáculos de danzas mímicas fueron
eclipsados en Roma por la aparición de la pantomima, que ya desde sus inicios
adquirió gran auge con actores como Pílades y Batilo de Alejandría, y se
convirtió en una parte esencial de las representaciones teatrales. A diferencia
del mimo, la pantomima (etimológicamente, imitación de todo) representaba, sólo
con gestos, toda acción, tanto trágica como cómica. Acompañado de un coro que
recitaba o cantaba el texto y de una orquesta, el pantomimo, vestido con una
larga túnica y cubierto el rostro por una máscara, interpretaba las piezas
trágicas o cómicas mediante gestos y el movimiento de sus manos.
En Francia, las barreras lingüísticas impuestas a los actores italianos privaron de la palabra y dieron nuevas características a los personajes de la comedia del arte: Arlequín o Picrrot alcanzaron enorme popularidad en las pantomimas clásicas francesas del siglo XIX, que cuentan entre sus mimos más célebres a los hermanos Jean-Gaspard y Jean-Charles Debureau y a Paul Legrand. Iniciado el siglo XX, Louis Rouffe, Severin Cafferra y Georges Wague dieron un nuevo impulso, con sus creaciones del Pierrot, a la pantomima clásica que, ahogada en sus propias limitaciones, no tardaría en desaparecer ante el redescubrimiento del movimiento y del cuerpo humano y la revalorización de una nueva mímica, la definida ahora como el arte de expresar sentimientos y no un medio de expresar palabras a través de gestos.
Interpretación
El hombre necesita comunicarse y
relacionarse con los demás; de allí que su capacidad para desarrollar
diversidad de representaciones simbólicas a través de los lenguajes es lo que
lo hace único.
Por tal motivo, las artes
constituyen mucho más que actividades "extra" para divertir a los
niños(as). El mundo y las mentes de los niños se amplían mediante la
participación en las artes, que les ofrece las destrezas que precisan para un
futuro brillante, ya que juegan un papel fundamental, pues:
·
Las artes enseñan
a los niños a ser más tolerantes y abiertos.
·
Las artes permiten
que los niños se expresen en forma creativa.
·
Las artes
promueven el trabajo individual y colectivo, aumentan la confianza en sí
mismos.
Cabe destacar, que el acercamiento global del niño
al teatro, se puede hacer a través de distintos medios: Visitas a teatros, en
los que se exhiben escenificaciones de obras literarias, comedias musicales,
mimos, teatro negro, composiciones para títeres, o las mismas puestas en escena
en el ámbito escolar.
El Teatro es como
un género, un inter-juego de lenguajes expresivo-creativos: Juego corporal,
lenguaje oral, música y sonido, escena, lenguaje visual y plástico a partir de
un texto literario. Dicho mecanismo constituye una
actividad humana, es un juego creativo y de imaginación.
En el Juego Dramático como se le llama hoy
día, se conjuga ficción y realidad; pues implica la superposición de
personajes, hechos y lugares simbólicos. Ahí se permite entrar y salir del
mundo real al mundo imaginario. Asimismo, se le otorga al niño y a la niña el
permiso para liberarse, salir de sí mismo, dar rienda suelta a su imaginación
creadora. La ficción le ofrece a ambos una vía eficaz para dar una explicación
lógica a sus propias fantasías.
El Juego Dramático en la escuela, es un medio
de transmisión de la cultura, que sustenta un bagaje cultural por medio de una
activa metodología. En una enseñanza humanista, dentro de una pedagogía de la
libre expresión, el juego dramático y la complejidad de los aspectos que los
conforman, encierran el privilegio de participar en él la magia de una
experiencia individual y colectiva en forma simultánea y establece a su vez,
una maravillosa alianza con la literatura, la poesía, la música, la danza, la
plástica, entre otros aspectos…
La educación en las artes, ejerce gran repercusión en los
años de desarrollo de todos los niños y ha demostrado servir para nivelar el
"campo de aprendizaje". Por eso, si no recibimos los estímulos, las
herramientas que ayuden a despertar nuestra capacidad creadora, a forjar
nuestra identidad personal y nacional; difícilmente se podrá pedir que como
individuos seamos entes activos y conscientes de lo que nos sucede, y por ende
forjadores de nuestra realidad social.
Es de vital
importancia cultivar la capacidad del arte; capacidad que hace reconocer al
hombre su rol creador, independiente del oficio que ejerza, el arte nos hace
ver cuando la vivimos, que todos somos artistas, que todos construimos nuestra
realidad, que nuestro aporte suma junto al resto y crea un total; y al tener
esto claro nos sentimos protagonistas ya no sólo de nuestra existencia; sino de
la historia, que es la acción de los hombres en el tiempo y el espacio.
Cabe
resaltar que a partir de la expresión gestual y corporal, el niño y la niña expresarán
con sus palabras la situación vivida al traducir lo que han hecho. De ahí la
necesidad de proponer nuevas acciones que faciliten a las niñas(os) la
apropiación de conocimientos y la realización de experiencias en forma amena y
dinámica, pero a la vez reflexiva y cooperativa. Cuando se imparte en el aula,
se comienza a trabajar con la creatividad, la expresión y el desarrollo de la
apreciación estética; elementos que logran componer la personalidad del
alumno(a).
Como futuros educadores necesitamos tener
presente que existen variadas e interesantes experiencias pedagógicas,
encaminadas a la estimulación y desarrollo de la creatividad, pues un maestro
para definirse como creador y amante del arte, debe exhibir en su actuación
rasgos muy concretos que lo consolidan
como creativo. También debe considerar los
elementos como la libertad de expresión, la ausencia de inhibiciones,
evitar juicios críticos valorativos, estimular nuevas ideas durante el proceso
creativo.
Aplicación
.
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Conclusión
El ser humano, fue creando distintas
formas de expresarse a lo largo de la historia, la cual se va modificando
acorde a su evolución intelectual, social y cultural. Al ir desarrollando su
lenguaje el hombre está contribuyendo a su desarrollo intelectual, creativo y
sensitivo.
De allí que, el arte sea de gran relevancia en el proceso
educativo, pues el arte es representación
y promueve el
desarrollo de la creatividad que todo ser humano tiene en potencia, estimula
valores sociales, desarrolla todas las operaciones básicas del pensamiento y
contribuye a la construcción de una autoestima positiva.
El arte, la creatividad y la imaginación
desempeñan un papel vital en la educación de los niños. El dibujo, la pintura,
el material reciclado o el modelado constituyen un proceso complejo, en el cual
el niño reúne diversos elementos de su experiencia para formar un conjunto con
un nuevo significado. En este proceso de seleccionar, interpretar y reformar
estos elementos, el niño proporciona una parte de sí mismo: Cómo piensa, como
siente y como se ve. Para el arte es una actividad dinámica y unificadora.
Por su parte, las Artes Escénicas se conciben como un
instrumento fundamental en la formación integral, a pesar de encontrarse dentro
de los contenidos del área de Educación Estética no sólo se ocupa del estudio
de las diferentes manifestaciones de la teatralidad, sino que, también, permite
que el alumno desarrolle competencias comunicativas, sociales, expresivas,
creativas o las relacionadas con la resolución de problemas y la autonomía
personal, estimulando su interacción con el medio que lo rodea y garantizando,
por tanto, el logro de fines formativos y propedéuticos que le serán útiles
para su vida diaria.
Ofrecerle
al niño la oportunidad de crear constantemente, por medio de su imaginación y
con sus conocimientos actuales es la mejor preparación para su futura capacidad
creadora. Por lo tanto el desarrollo mental depende de una variada relación
entre el niño y su ambiente; esta relación es un ingrediente básico para llevar
a cabo una experiencia de creación artística. El desarrollo de la sensibilidad
perceptiva debería convertirse en una de las partes más importantes del proceso
creativo.
Arrau, S. (1994). “Documentos de Dirección Teatral”. Colección Estudios/ Nº 2. CELCIT.
Caracas – Venezuela. Pág. 13 a
18, 225 a
232.
Brittan y Lowenfeld (1975) Desarrollo de la capacidad Creadora. Kapelusz. Buenos Aires.
CONSULTA PÁGINAS
WEB:
http: //www.thecrazybug.com/artesescenicas/elteatro.htm - 19k -
e-historia.es/historia/sin-palabras-historia-de-la-pantomima
y cual es el uso de medios artísticos en programas de Educación ambiental?
ResponderEliminarDbería educarse a nivel artístico, la necesidad de un ambiente sano para una mejor calidad de vida
Eliminarmuy bien
ResponderEliminarjaja muchas letras fallas del celebro XD
ResponderEliminartu culito rd yt
ResponderEliminarSuper artykuł. Pozdrawiam serdecznie.
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